Cine, Dientes y Dentistas

Web sobre la relación del cine con los dentistas, los dientes y el mundo de la odontología

Category Archives: Películas


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CHARLOT FALSO DENTISTA

charlot1AÑO: 1914

DIRECCIÓN: Charles Chaplin

INTÉRPRETES: Charles Chaplin, Fritz Schade, Alice Howell, Joseph Sutherland, Slim Summerville, Josef Swickard

FOTOGRAFÍA: Frank D. Williams (B&W)

MÚSICA: Película muda

NACIONALIDAD:  Estados Unidos

DURACIÓN: 16 minutos

 

Charles Spencer Chaplin nació en Londres el 16 de abril de 1889 y falleció en Suiza el 25 de diciembre de 1977. Fue una de las personalidades más destacadas de la historia del cine y adquirió popularidad gracias a su personaje de Charlot en muchas películas del periodo de cine mudo. Además de actor fue compositor, productor, director y escritor. Provenía de una familia relacionada con el mundo del espectáculo ya que su padre fue actor y cantante y su madre trabajaba en el ambiente del músichall bajo el seudónimo de Lily Harley.

Chaplin ingresó en la compañía de mimos de Fred Karno en 1807 y esto fue fundamental para su formación artística. Con el personaje de Charlot, Chaplin, debutó en 1914 con la película ‘Ganándose el pan’ y durante ese mismo año llegó a rodar 35 cortometrajes, entre ellos ‘Charlot en el baile’, ‘Charlot y el fuego’ y ‘Charlot falso dentista’. Sin embargo, las películas más importantes fueron ‘La quimera del oro’ en 1925, ‘Luces de la Ciudad’ en 1931, ‘Tiempos modernos’ en 1935 y ‘El gran dictador’ en 1940. A mediados de 1910 Charlie Chaplin comenzó a dirigir la mayoría de sus películas y en 1916 empezó a encargarse de la producción. A partir de 1918 llegó incluso a componer la música y en 1919 fundó la United Artists, en compañía de otros artistas.

Chaplin recibió el Oscar honorífico en 1928 por ‘El circo’ y en 1972 la Academia volvió a entregarle un segundo premio honorífico. El público presente realizó entonces la que hasta ahora es la ovación más prolongada en la historia de los premios: 12 minutos aplaudiendo de pie y efusivamente. En 1948 fue candidato al Nobel de la Paz. Tanto la manera de filmar como de interpretar de Chaplin consistía en gestos exagerados y en la utilización de diversas técnicas que había aprendido tras su formación como mimo.

‘Charlot falso dentista” es una comedia muda rodada en blanco y negro de 16 minutos de duración

que fue estrenada el 9 de julio de 1914. Esta película pertenece a la primera etapa de Chaplin cuando crea su conocido personaje del vagabundo. Este personaje se ve involucrado en diferentes situaciones que son las que le han hecho ocupar a Charles Chaplin un lugar importantísimo en la historia del cine. En esta pequeña joya cinematográfica, Charlot es el ayudante de un dentista en una consulta abarrotada de pacientes. La consulta guarda la estética de una clínica propia de principios del siglo XX. Incluso el dentista atiende a los pacientes vestido de calle, sin lavarse las manos… El profesional anestesia con el gas de la risa a uno de los pacientes para sacarle una muela. El problema llega cuando no consigue despertar a ese paciente. Por esta razón envía a Charlot a la farmacia con una prescripción. Durante el camino se enzarza en una pelea con un hombre que está esperando fuera de la botica, le lanza varios ladrillos y probablemente le rompe un diente. Por ello se produce una persecución en la que Charlot, sin querer, le quita la falda a la mujer del dentista, que pasaba por allí por casualidad. Mientras tanto, en la consulta, el paciente sigue sin despertar y avisan al dentista de que su esposa ha tenido un accidente, por lo que sale rápidamente de la clínica. Es en ese momento cuando nuestro “falso dentista” llega a la consulta, pues Charlot usurpa el puesto del dentista, y hace pasar a la paciente más guapa de la sala. Comienza entonces un cortejo cómico: con el paño que debería usar de babero le limpia los zapatos, se sienta encima de ella, con un fórceps le agarra de la nariz para atraerla hacia él y besarla… La chica participa en gran medida del coqueteo pero finalmente se va. Posteriormente pasa al consultorio otro paciente al que Charlot intenta arrancar una muela. Como no utiliza el gas de la risa el paciente comienza a gritar y entra otro personaje en la consulta que casualmente es el hombre al que le había lanzado los ladrillos en su paseo a la farmacia. Al reconocerse mutuamente comienza una pelea monumental donde todos comienzan a perseguirse y a correr por la consulta, convirtiéndolo todo en un caos. Cuando vuelve el verdadero dentista se encuentra con la consulta totalmente revuelta y con los pacientes por los suelos. El humor fue una de las características que compartieron las primeras películas de la historia del cine que tocaron el tema de los dentistas.


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“TAMAÑO NATURAL”, de Luis García Berlanga

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Cartel de la película

AÑO: 1973

DIRECCIÓN: Luis García Berlanga 

INTÉRPRETES: Michel Piccoli, Rada Rassimov, Amparo Soler Leal, Queta Claver, Manuel Alexandre, Julieta Serrano

FOTOGRAFÍA: Alain Derobe

MÚSICA:  Maurice Jarre

NACIONALIDAD: Francia-España-Italia

DURACIÓN: 100 minutos

 

En 1973, después de haber dirigido títulos como Bienvenido, Mister Marshall (1953), Plácido (1961), El verdugo (1963), Luis García Berlanga da un paso más y se adentra en un análisis del comportamiento humano personificado en la figura de un odontólogo. Rafael Azcona, el guionista que se encontraba detrás de los mejores trabajos del director valenciano, firma junto a él esta historia “buñueliana”, como ha llegado a ser definida, y que recurre al absurdo para hablar de la soledad humana y de la dificultad de comunicación entre unos y otros.

Tamaño natural cuenta la historia de Michel, un dentista parisino de 45 años que no encuentra demasiado sentido ni al matrimonio en declive en el que habita ni a las numerosas infidelidades que protagoniza. Todo parece girar ciento ochenta grados cuando encuentra un maniquí del que se enamora y que le lleva a divorciarse de su mujer para empezar una nueva vida con la muñeca. En su entorno su madre entenderá la situación e incluso le prestará su ropa, sus amigos se burlarán de él y su ex-esposa se enfadará primero para pasar luego a competir con el maniquí.

El dentista creado por Berlanga encontrará en su nuevo amor todos los requisitos que buscaba en una mujer: es hermosa, no envejece, no opina, no pide nada, no tiene enfermedades… Ella ocupa, cómo no, un espacio también en el interior de su consulta, en el sillón que ocupan sus pacientes.

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Escena de la película

El tema de hombres enamorados de seres inanimados se ha repetido a lo largo de la historia del cine. En 1919 Ernst Lubistsch dirigía La muñeca en la que un joven sin mucho interés por el sexo decide engañar a su rico tío casándose con una muñeca de tamaño natural para obtener así su fortuna. En 2007 Lars y la chica real de Craig Gillespie se ocupa del tema del hombre enamorado de Bianca, una muñeca hinchable, y en 2009 el cineasta japonés Hirokazu Kore eda muestra a la plastificada compañera de un hombre solitario que vive en un pequeño apartamento y que le espera imperturbable en un rincón. Cuando la fantasía del dueño de la muñeca se haga realidad y ella cobre vida, las cosas cambiarán demostrando que los sueños no se cumplen nunca exactamente como los habíamos imaginado. Un poco más allá, y en tiempos más virtuales, en 2013 Spike Jonze idea Her, donde la corporeidad de la muñeca ha desaparecido y el protagonista se enamora de un sistema operativo, sofisticado y sensual.

Sin llegar a ese extremo, el doctor que interpreta Michel Piccoli, que comparte con él incluso su nombre, se aferrará a su muñeca hinchable huyendo de la asfixia que le provoca cuanto le rodea. El preciado regalo llegará de Japón, auténtico paraíso para representar cualquier elemento que se salga de lo convención, y su propietario encontrará en él la satisfacción de sus sueños mientras García Berlanga da rienda suelta a su gusto por la búsqueda del lado oscuro.


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“ADVENTURES OF A DENTIST”, de Elem Klimov

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Cartel de la película

AÑO: 1965

DIRECCIÓN: Elem Klimov

INTÉRPRETES: Andrey Myagko, Vera Vasilyeva, Alisa Freindlich, Panteleymon Krymov, Andrei Petrov

FOTOGRAFÍA: Samuil Rubashkin 

MÚSICA: Alfred Shnitke

NACIONALIDAD: Rusia

DURACIÓN: 82 minutos

 

El cineasta ruso Elem Klimov aprovecha la historia de un dentista para hablar de una constante universal: el talento es un arma peligrosa y suele crearse muchos y muy duros enemigos. En este caso quien hace gala de su agudeza y de su habilidad es un dentista con un talento natural para extraer dientes sin dolor. Pero su peculiaridad no hace precisamente del doctor Chesnokov alguien popular dentro de su gremio, sino más bien todo lo contrario ya que sus colegas ven en él un rival peligroso y en sus dotes para extraer las piezas, un desafío con el que no se sienten capaces de competir.

Así el doctor Chesnokov ve cómo, lejos de aplaudir su manera de trabajar, todos le dan la espalda y le
ridiculizan complicándole la vida personal y profesional. La filosofía de Adventures of a dentist no gustó a la censura en su país y, ante la negativa del realizador de hacer ningún cambio, la película obtuvo la calificación más baja, lo que significó que su estreno se produjo en un número muy pequeño de salas de cine. Para los encargados de los permisos correspondientes, detrás de la historia de Chesnokov se encontraba una teoría sobre el poder destructivo de la sociedad hacia aquellos que están más dotados o que mejor ejercen su labor que no gustaba a la censura.

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Escena de la película

Para aproximarse a The adventures of a dentist hay que acercarse también a la figura de su director, Elem Klimov, un cineasta ruso perteneciente, como Andréi Tarkovski, Vasili Shukshín y Larisa Shepitkó, a la generación de los niños de la guerra. Klimov dirigió un total de cinco películas, todas ellas de alguna manera provocadoras, y filmó un documental, Larisa, sobre Larisa Shepitkó, su esposa, que murió a los cuarenta años a causa de un accidente de automóvil.

El historial cinematográfico de Klimov no fue un camino fácil. En 1964 dirigió una sátira contra la
burocracia titulada Bienvenido o prohibido el paso a personal no autorizado, en 1965 Adventures of a dentist, que sufrió las consecuencias de la censura, en 1974 Agonía, sobre Rasputín y la revolución del 17, una película que fue prohibida por el régimen y no se estrenó hasta 1985. En 1971 dirigió Adios a Matiora, un proyecto que su esposa no pudo rodar a causa de su prematura muerte, en la que los censores vieron una evidente proclama ecologista. Anda y Mira (1985), su última película, con la que ganó el Festival Internacional de Moscú, es una de las crónicas más duras sobre la guerra. Klimov la rodó durante la perestroika de Mijaíl Gorbachov, una época en la que él mismo llegó a ser el presidente de la Unión de Cineastas. Entre los proyectos que nunca llegó a dirigir se encuentran Los Demonios, basado en la obra de Dostoievski y El Maestro y Margarita de Bulgákov chocaron frontalmente con los intereses del Comité Estatal de Cine.

La historia de The adventures of a Dentist le permitió a Klimov radiografiar a la sociedad rusa de los años sesenta. El propio realizador llegó a hablar de los problemas que sufrió la película “porque apareció en época de Breznev, un período de degradación ideológica y terror espiritual que ha echado por tierra muchas cosas en nuestra sociedad. Mi película se archivó. Se guardaron también en oscuras estanterías otras mucho mejores que la mía, alguna de Tarkovski, por ejemplo”.


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“LA PELIRROJA”, DE RAOUL WALSH

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Cartel de la película

AÑO: 1941

DIRECCIÓN: Raoul Walsh

INTÉRPRETES: James Cagney, Olivia de Havilland, Rita Hayworth, Alan Hale, Jack Carson, George Tobias, Una O’Connor, George Reeves, Lucile Fairbanks, Edward McNamara, Helen Lynd, Herbert Heywood

FOTOGRAFÍA: James Wong Howe (B&W)

MÚSICA: Heinz Roemheld

NACIONALIDAD:  Estados Unidos

DURACIÓN: 91 min.

 

En 1933 Stephen Roberts dirigió la primera versión para el cine de una obra de teatro escrita por James Hagan y titulada One Saturday Afternoon. En aquella ocasión los actores principales eran Gary Cooper, Frances Fuller y Fay Wray. La pelirroja es en realidad la segunda versión de aquel mismo libreto del que todavía se realizaría una tercera en 1948, en forma de musical, en technicolor, dirigida tambien por Raoul Walsh y con Dennis Morgan, Janis Paige y Dorothy Malone en los papeles principales. De estas tres versiones de One Saturday Afternoon, La pelirroja fue la que recibió mejores críticas.

Al éxito de La pelirroja contribuía un reparto con figuras como James Cagney, en el papel del dentista protagonista, y Olivia de Havilland y Rita Hayworth, como las dos chicas alrededor de las cuales gira el entramado de la historia. El título de la película no solo hace referencia al color de pelo de Rita Hayworth, que lucía su auténtico aspecto,, sino que es un homenaje de James Cagney y su hermano, y productor de la película, a la madre de ambos que era pelirroja lo mismo que el propio Cagney.

La película de Raoul Walsh contaba con una interesante banda sonora y con algunos números musicales sorprendentes, alguno de los cuales protagoniza el dentista/Cagney. La consulta del doctor T.L. Grimes (más conocido como Biff), aparece convenientemente señalado por un cartel con su nombre del que cuelga una muela enorme, similar a la que aparecía sobre el carromato de los protagonistas de Django Desencadenado o de Rostro Pálido.

La pelirroja de Raoul Walsh supone una llamada de atención hacia lo que en realidad se oculta a veces detrás de algunos ansiados sueños incumplidos. El protagonista es un dentista de escaso éxito llamado Biff Grimes. Su carácter irritable y sus malos modales no le ayudan a tener demasiados pacientes y su consulta languidece sin que él renuncie a discutir y a retar a quien se ponga por medio. Una llamada telefónica de alguien llamado Hugo Barnstead, al que ningún especialista atiende por ser domingo, pone a Biff en contacto con el pasado y, a través de un flash back, se explica la deriva que la amistad de Grimes y Barnstead sufrió a causa de un negocio ruinoso que acabó con Biff en la cárcel y Hugo casado con la mujer de la que estaba enamorado su amigo.

El rodaje de La pelirroja significó un punto y aparte tanto para su director como para el protagonista que hasta entonces habían estado embarcados en proyectos bastante diferentes. Raoul Walsh acababa de dirigir El último refugio, con Humphrey Bogart, una película de una gran intensidad dramática que había sido muy bien recibida por el público. Cagney por su parte se había convertido en el prototipo del gángster y quería hacer algo diferente. Ambos eran conscientes de que la película era un remake de One Saturday Afternoon, un filme que no había tenido demasiado éxito, así que decidieron emprender algunos cambios importantes: los acontecimientos tendrían lugar en Nueva York, no en un pequeño pueblo, y, además, el papel había que adecuarlo a las características de un actor como Cagney.
Repleta de matices tragicómicos el doctor Grimes aprende la lección para la que parece construido todo el entramado de La pelirroja: lo mejor, a veces, está delante de nuestros ojos.

Pero Raoul Walsh no se conformó con contar la historia de Hagan una vez, y en 1948 volvió a ella, esta vez en forma de musical y con el título que le dio el dramaturgo: One Sunday Afternoon. Aquí los protagonistas eran Dennis Mogan, Dorothy Malone y Janis Paige y entre las curiosidades la presencia del actor Alan Hale en la primera y de su hijo Alan Hale Jr., en la segunda.


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LLÉVAME A LA LUNA (Un plan parfait)

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Cartel de la película

AÑO: 2012 

DIRECCIÓN: Pascal Chaumeil

INTÉRPRETES: Diane Kruger, Dany Boon, Alice Pol, Robert Plagnol, Jonathan Cohen, Bernadette Le Saché, Etienne Chicot, Laure Calamy, Malonn Lévana

FOTOGRAFÍA: Glynn Speeckaert

MÚSICA: Klaus Badelt

NACIONALIDAD:  Francia

DURACIÓN: 105 minutos

 

“Llévame a la luna” y “Un plan parfait” podrían ser los títulos de dos películas diferentes, pero son simplemente la manera con la que se conoce el último filme de Pascal Chaumeil según en qué país se estrene. Lo cierto es que el realizador francés debe estar acostumbrado a estas modificaciones porque su anterior película “L´arnacoeur” en el mercado francés y “Heartbreakers” en el anglosajón, en español sufrió una modificación y sus protagonistas, dos hermanos dedicados a provocar la separación de parejas enamoradas, no fueron los rompecorazones sino “Los seductores”.

Y es que, cuando se trata de titular comedias como las de Chaumeil, todo depende de dónde se ponga el acento. Si se piensa en que la protagonista de “Un plan parfait” idea un sistema para que la “maldición” que lleva a todas las mujeres de su familia a fracasar en su primer matrimonio y triunfar en el segundo, resulta fácil sintonizar con ese título. Si en lo que uno se detiene es en la secuencia en la que la pareja sobre la que recae el peso de la historia se aventura a experimentar con la gravedad cero, como si estuvieran en pleno viaje galáctico, entonces “Llévame a la luna” es un título convincente.

LUNA

Escena de la película

La cuestión es que Chaumeil sigue la misma ruta que se planteó en su anterior película: búsqueda de un pretexto argumental, que no importa que se encuentre fuera de toda lógica pero que tendrá como eje central las aventuras y desventuras que provocan los temas del corazón. Una vez claro el detonante, es fundamental definir a los personajes; él es un viajero, aventurero despreocupado, capaz de meterse en todo tipo de líos sin inmutarse… así que una ocupación perfecta es la de escritor de guías de viaje para trotamundos. Ella comparte la vida y la profesión con alguien a quien conoció cuando estudiaba, tiene una posición económica desahogada y se siente orgullosa del orden y del equilibrio conseguido. Para ese perfil Chaumeil ha decidido que ella y su novio sean dentistas. Diana Kruger, Helena de Troya en la película de Wolfgang Petersen, interpreta a la protagonista femenina. Junto a ella Dany Boon, actor y director de películas como Bienvenidos al Norte.

El primer encuentro entre el trotamundos y la dentista se produce en un avión, pero será en la consulta de ella donde tiene lugar uno de los momentos más excesivos. Allí la peligrosa odontóloga, armada con su anestesia, tratará de acallar al viajero para evitar que su novio, con el que comparte consulta, descubra el secreto de una boda sinsentido en el otro lado del planeta. Si Chaumeil pensó en contraponer la vida azarosa de un escritor aventurero frente a la sosegada existencia de una profesional de la odontología, está claro que esta secuencia le sirve para dar el necesario giro de ciento ochenta grados que toda comedia necesita. Así que mientras él abandona la consulta cojeando y con la cara hinchada a causa de la anestesia, ella empezará a destejer su vida perfecta.

Y, como de lo que Chaumeil quiere hablar es de que en el amor todo es posible, el final feliz de Llévame a la luna resulta predecible e inevitable.


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SITGES 2014

Año tras año, Sitges es una cita imprescindible en nuestro calendario, que esperamos impacientes.

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Cartel Festival Sitges 2014

El cine cada año se hace más fantástico. En efecto, lo que era claramente un género bien diferenciado hasta hace poco empieza a invadir todos los espacios.
Las realidades virtuales irrumpen cada día más en nuestras vidas y por tanto en nuestras pantallas. Por eso cada año vemos como la oferta de Sitges es cada vez más amplia.
Este año como todos los años no han faltado las referencias odontológicas:

 

The Babadook

THE BABADOOKAÑO: 2013

DIRECCIÓN: Jennifer Kent

INTÉRPRETES: Essie Davis, Noah Wiseman, Daniel Henshall

NACIONALIDAD: Australia

DURACIÓN: 95 minutos.

Después de la muerte de su marido, Amelia trata de criar sola a un hijo conflictivo, que tiene una pesadilla recurrente en la que es perseguido por un monstruo. El ambiente se enrarece aún más con el descubrimiento de un extraño libro titulado The Babadook. Con esta espeluznante obra de terror psicológico, Jennifer Kent se ha convertido en la comidilla de los festivales de género.

Vemos a la madre del protagonista en la cama. Por sus gestos y el casi imperceptible ruido nos damos cuenta de que padece bruxismo. Poco a poco sus molestias son mayores y en repetidas ocasiones se toca la zona de la articulación temporo-mandibular. Este problema es coherente con la tensión nerviosa a la que está sometida esta mujer debido a la situación que se vive en esa casa. Más adelante, en otra escena, Amelia termina extrayéndose ella misma una muela, por lo que podemos concluir que además padece algún tipo de enfermedad periodontal.

The guest

AÑO: 2014The_Guest-Cartel-Sitges_2014

DIRECCIÓN: Adam Wingard

INTÉRPRETES: Dan Stevens, Maika Monroe 

GUIÓN: Dan Stevens, Maika Monroe 

NACIONALIDAD: Estados Unidos 

DURACIÓN: 99 minutos

Los Peterson siguen llorando el fallecimiento de su hijo Caleb en Afganistán. En pleno duelo, David irrumpe en el hogar familiar y conquista a cada uno de sus miembros hasta que uno de ellos comienza a intuir que David no es quien parece ser. El responsable de Tú eres el siguiente vuelve a dinamitar el núcleo familiar a base de violencia, en una mezcla de slasher y filme de acción.

David, este misterio personaje nos inquieta. Desde el primer momento nuestros sentimientos hacia el son ambivalentes. Pronto veremos que estos sentimientos contrapuestos están justificados. Encontraremos dos referencias: la primera es una conversación telefónica en la que oímos que no solo necesitará un dentista para cambiar su dentadura, sino que desea un cirujano plástico para que cambie completamente su cara. La segunda referencia dental es justo al final: la policía encuentra un cadáver completamente irreconocible por las llamas…y por el hecho de que alguien le ha arrancado todos los dientes!

A Girl Walks Home Alone at Nigth

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DIRECCIÓN: Ana Lily Amirpour

INTÉRPRETES: Sheila Vand, Arash Marandi 

NACIONALIDAD: Estados Unidos 

DURACIÓN: 100 minutos

En la ciudad iraní de Bad City puede pasar cualquier cosa. En medio de un abanico de personajes marginales, un vampiro vaga en busca de sangre. Al western vampírico se le suma un romance teñido de sangre. A Girl Walks Home Alone at Nigth combina géneros y estilos: invoca el western, la fascinación propia de Lynch, el terror y las novelas gráficas.

Toca al menos ver una película de vampiros. Este año la novedad es la directora iraní y el hecho de que nuestro vampiro sea una joven de aspecto frágil y que se pasea sola por las noches en busca de su alimento. La imagen de la joven musulmana con su vestido negro y su velo resulta particularmente apropiada. Y como era de esperar sus colmillos crecen en el momento adecuado.

The Boxtrolls

 DIRECCIÓN: Anthony Stacchi, Graham AnnableTHE BOXTROLLS

Los Boxtrolls son unas peculiares criaturas que viven bajo tierra. Una noche, rescatan a un bebé humano, y deciden criarlo como a uno de ellos. Años después, el muchacho subirá a la superficie para descubrir una sociedad a la que no se adaptará fácilmente. De la mano de Laika, la productora de Los mundos de Coraline y El alucinante mundo de Norman, nos llega una nueva maravilla animada.

En cine de animación,  Sitges no se queda atrás. Este fantástico relato nos cautiva con sus entrañables personajes, los Boxtrolls, y odiamos desde el principio a los malos que por cierto lucen unas dentaduras horribles como corresponde a su papel.
Como hecho curioso, uno de los simpáticos  Boxtrolls, tiene una dentadura postiza completa superior e inferior y vemos en repetidas ocasiones como esta se le cae, se le vuela o le vemos comer por encima de la dentadura. Está claro que el guionista ha querido dar un papel relevante a este problema.

The midnigth after

the midnightAÑO: 2014

DIRECCIÓN: Fruit Chan

INTÉRPRETES: Lam Suet, Simon Yam, Kara Hui 

NACIONALIDAD: Hong Kong, China

DURACIÓN: 120 minutos

El director de  la pieza de terror malsano Dumplings vuelve a la palestra con la adaptación de una novela viral. Un grupo de pasajeros toma un minibús de Mongkok a Tai Po. Cada uno de ellos parece representar una muestra distinta de la sociedad, pero las diferencias pasarán a un segundo plano cuando el bus llegue a su destino y los pasajeros vean que el resto de habitantes
han desparecido.

Esta película que nos llega desde China no hay por dónde cogerla. Un grupo de personas en un autobús son las únicas personas que parecen quedar vivas en el mundo.
Vemos a una chica que puede parecer guapa hasta que la vemos sonreír con una horrible dentadura. Más adelante descubriremos que tiene una boca perfecta pero usa una prótesis para parecer fea y ser así irreconocible ya que la buscan por tener muchas deudas.

Good night Mommy

AÑO: 2014goodnightmommy

DIRECCIÓN: Veronika Franz, Severin Fiala

INTÉRPRETES: Susanne Wuest, Elias Schwarz, Lukas Schwarz

NACIONALIDAD: Áustria

DURACIÓN:  99 minutos

Es pleno verano, y dos hermanos gemelos esperan pacientemente a que su madre regrese a casa tras una operación de cirugía plástica. Esta llega con la cara completamente vendada y mostrándose fría, distante y obsesiva. El cambio en su personalidad hará que los niños se pregunten si la mujer es realmente su madre o se trata de una impostora. Horror psicológico, producido por Ulrich Seidl, uno de los grandes cineastas europeos.

Dos hermanos gemelos, juegan, corren, ríen, comen…mientras esperan a  su madre.
Como a  todos los niños, su madre dice que deben de cepillarse los dientes. Pero porque en una casa tan lujosa, tan grande, vemos como los dos hermanos utilizan el mismo cepillo de dientes? Es una de las primeras pistas que tendremos para saber que hay cosas que no son lo que parecen.

Pos eso

POS ESODIRECCIÓN:  Sam

VOCES:  Anabel Alonso, Josema Yuste, Santiago Segura

La gran bailaora La Trini abandonó los tablaos después de que muriese su marido. A su tragedia se le suma el comportamiento demente de su hijo Damián. Ningún médico será capaz de explicar la actitud del muchacho y, creyéndolo poseído, la mujer acabará contactando con una exorcista. Una desternillante pieza de fantástico cañí, que supone el debut de un gran talento de la animación.

La referencia dental aparece cuando la exorcista va pidiendo cada vez más dinero y la abuela acaba quitándose sus muelas de oro para poder pagar los honorarios de esta mujer.

Zombeavers

AÑO: 2014zombeavers-2014

DIRECCIÓN: Jordan Rubin

 INTÉRPRETES: Cortney Palm, Hutch Dano, Peter Gilroy

 NACIONALIDAD: Estados Unidos

DURACIÓN:  85 minutos


Zombis nazis, zombis futbolistas, sushi zombi, y ahora… ¡castores zombis! Jordan Rubin dirige con agilidad y desfachatez una comedia gore en la que un grupo de jóvenes ve cómo sus vacaciones y sus deseos de entregarse a los placeres carnales son saboteados por la irrupción de una plaga de roedores letales. Animatronics, mutilaciones y mucha acción en un filme decididamente pasado de vueltas.

Realmente en cuanto a zombis quedaban pocas cosas que inventar, pero reconocemos que la idea de los castores zombis fue muy divertida. En cuanto los castores se transforman en zombis sus dos incisivos crecen exageradamente. Nos sorprenden por su agresividad, pero aún más espectacular es la transformación de los humanos en castores zombis y la manera en la que su dentadura desaparece para dar paso a estos dos incisivos gigantes.

 

Nos despedimos de Sitges hasta el 2015 y estamos seguros de que allí encontraremos muchas películas y muy divertidas donde, de pasada, siempre se toca el tema de los dientes y dentistas.

 

 


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“¿QUÉ NOS QUEDA?”

AÑO: 2012 que-nos-queda-cartel

DIRECCIÓN:  Hans-Christian Schmid

INTÉRPRETES:  Lars Eidinger (Marko Heidmann), Corinna Harfouch (Gitte), Sebastian Zimmler (Jacob), Ernst Stötzner (Gunter), Picco von Groote (Ella), Egon Merten (Zowie), Birge Shade (Susanne), Eva Meckbach (Tine)

FOTOGRAFÍA: Bogumil Godfrejow 

MÚSICA:  The notwist

NACIONALIDAD: Alemania

DURACIÓN: 88 minutos

La familia está compuesta por el padre Ernst Sötzner( Günter) , la madre Corinna Harfouch (Gitte), y los hijos Lars Eidinger ( Marko) y el más joven Sebastian Zimmler ( Jakob).
Este último personaje es nuestro dentista. Así como el hermano mayor ha podido distanciarse de sus padres yéndose a vivir a otra ciudad y no dependiendo económicamente de ellos, nos encontramos que Jakob, el dentista vive al lado de su familia. Y no sólo eso, sino que la casa donde vive y donde también ejerce, la financia su padre. Vemos su desesperación porque después de un año de trabajo, las cuentas no le salen. Sigue perdiendo 5000€ al mes.
Tanto su casa como su consulta son estupendas, pero no son de su gusto. Jakob se encuentra atrapado en ese entorno burgués del que quiere huir pero a la vez se siente responsable por la deuda que está generando.
En una de las escenas, unos operarios vienen a recoger el equipo de RX. La novia de Jakob pregunta si es por una avería, y la respuesta es que no: el banco lo ha embargado por falta de pago. Vemos a Jakob contestando al teléfono, esterilizando el material: lo hace todo ya que no puede permitirse contratar a un auxiliar.
Pese a ser un privilegiado tal y como le dice su hermano” ¿Cuánta gente de tu edad, tiene su propia consulta? “, las cosas no le van bien.
Si pensábamos que las cosas estaban mejor en otros países, en este caso Alemania, vemos que no es así. Jakob no consigue rentabilizar su consulta, no consigue pagar sus deudas, y no consigue huir de ese entorno familiar que a la vez que le protege, le asfixia.
Todo en la situación de este joven dentista nos sumerge en la triste realidad de nuestro propio país: ni siquiera con una muy generosa ayuda familiar los jóvenes pueden sacar una clínica dental adelante.
Al final, cuando vayan apareciendo las verdades ocultas de cada uno de los miembros de esa familia, será cuando por fin Jakob se atreva a tomar las riendas de su propia vida.


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“FLOR DE CACTUS” DE GENE SAKS

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DIRECCIÓN: Gene Saks

INTÉRPRETES: Walter Matthau, Ingrid Bergman, Goldie Hawn, Jack Weston, Rick Lenz, Vito Scotti, Irene Hervey, Eve Bruce, Irwin Charone, Matthew Saks

FOTOGRAFÍA: Charles Lang

MÚSICA: Quincy Jones

NACIONALIDAD:  Estados Unidos

                                                                         DURACIÓN: 103 min.

Hay frases que acompañan a la historia del cine desde casi su nacimiento. Afirmaciones como “yo voy al cine a pasármelo bien” o “ya no se hacen comedias como las de antes”, que en una vertiente más cinéfila llevaría a comparar a Billy Wilder con Dios, son un buen ejemplo de ellas. Dejando a un lado la discutible veracidad de ambas declaraciones la realidad es que hay películas que parecen “gustar a todo el mundo”.

Flor de Cactus de Gene Saks cumple con todos los preceptos anteriores. Es una comedia de antes, concretamente de 1969, y está hecha al modo de las de Billy Wilder (la historia fue escrita por uno de sus colaboradores habituales I.A.L. Diamond con quien Wilder trabajó en guiones como Con faldas y a lo loco, El apartamento o Primera plana). Y si de lo que se trata cuando se habla de pasárselo bien es de sonreír y de reír, un tanto por ciento muy elevado de espectadores estará de acuerdo en que Flor de cactus es una película que cumple ambos requisitos y que “se puede recomendar”.

Basada en una obra de teatro francesa, Flor de Cactus transcurre durante buena parte de su metraje en la consulta de un dentista, la del doctor Winston, una especie de play boy con una curiosa filosofía de la vida que da un giro de ciento ochenta grados al tópico del hombre casado que esconde su alianza. El doctor Winston es todo lo contrario. Se trata de un hombre maduro, soltero y que se crea una supuesta familia para eludir los compromisos que pudieran surgir de sus múltiples y breves relaciones. Interpretado por Walter Matthau (otro habitual de Wilder), el dentista “mentiroso” acabará por caer en su propia trampa y tendrá que inventarse una vida con esposa y tres hijos si no quiere defraudar a su última conquista, una jovencísima Goldie Hawn que está dispuesta a todo por él.

Pero ¿quién o qué es la flor de cactus en toda esta historia? Pues una metáfora personificada en el personaje que interpreta Ingrid Bergman, Stephanie Dickinson, una enfermera sueca que trabaja hace muchos años con el doctor Winston y sobre cuya mesa descansa una pequeña y lánguida planta de cactus que irá mejorando de aspecto conforme la película se vaya acercando a su desenlace. La señorita Dickinson está enamorada de su jefe y éste no se ha dado cuenta de que, con el paso de los años, se ha hecho imprescindible tanto en su vida como en su consulta. Demasiado ocupado en sus aventuras, el doctor Winston tardará en descubrir que algunos cactus dan flores.

La película de Saks, además de una comedia romántica supone todo un paseo por la estética de los años sesenta. La música, la forma de vestir, los decorados de interiores y, por supuesto, la consulta de un dentista norteamericano como el doctor Winston. Matthau se maneja con el instrumental como un auténtico odontólogo y Bergman es capaz de realizar radiografías a sus pacientes como si hubiera estudiado para ello. Goldie Hawn, que empezaba en el cine con esta interpretación, consiguió con Flor de Cactus un Oscar a la Mejor Actriz de Reparto. Su estilismo, propio de unos años 60 hippies y coloristas, se une a otros detalles característicos de aquel tiempo como las versiones de los Monkees o el impagable baile que inventa Ingrid Bergman, siguiendo los movimientos de la extracción de una muela, durante su noche estelar en una discoteca repleta de lámparas Tiffany (un objeto que, por cierto, tiene su nexo de conexión con la odontología ya que uno de sus mayores coleccionistas fue el doctor Egon Neustadt, un ortodoncista que compró cientos de ellas y montó una valiosa colección).

baile1Escena de la película.

 


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“METRO MANILA”, DE SEAN ELLIS

 

AÑO: 2013 Metro_Manila1

DIRECTOR: Sean Ellis

INTÉRPRETES: Jake Macapagal, John Arcilla, Althea Vega, Miles Canapi, Ana Abad-Santos, Moises Magisa, JM Rodriguez, Erin Panlilio

FOTOGRAFÍA: Sean Ellis

MÚSICA: Robin Foster

NACIONALIDAD:  Reino Unido

DURACIÓN: 114 min

Metro Manila es la manera con la que se conoce Metropolitan Manila, el área metropolitana que incluye no solo la capital de Filipinas sino las ciudades que la rodean, hasta crear una macrociudad de casi doce millones de habitantes. Se trata de un espacio comparable en tamaño a la ciudad de Madrid, pero donde vive un número de personas tres veces mayor. Un lugar donde las clases populares hablan tagalo y los más favorecidos lo hacen en inglés, donde existen grandes diferencias entre los barrios marginales y los más ricos y que se ha convertido en el destino al que van a parar miles de personas que provienen de zonas rurales y que buscan en ese sitio una oportunidad.

Sean Ellis es un cineasta de origen británico que fue nominado a los Oscar en 2006 por su cortometraje Cashback. En 2007 estuvo de vacaciones en Manila y allí, en pleno centro de la ciudad, pudo asistir a una pelea con armas entre dos conductores de furgones blindados. Entonces se le ocurrió la idea de contar la historia de estos hombres que transportan dinero y objetos valiosos, que muchas veces proviene de corrupción o de negocios sucios, y que se juegan la vida a diario para proteger su
mercancía. Ellis escribió primero el guión en inglés y luego lo tradujo al tagalo, idioma en el que se ha rodado la película.
Metro Manila realiza una radiografía de la realidad política y social de Filipinas en la actualidad, siguiendo el día a día de una pareja joven y de sus dos hijos pequeños.
Cuando los ingresos que perciben por la venta de su cosecha no les dan para vivir, los cuatro abandonan la vida rural para ir a la ciudad en busca de trabajo. El problema es que una macro urbe como Metro Manila no tiene compasión con los débiles, y Óscar Rodríguez y su familia pertenecen a los más débiles.
Cuando Ellis traza las características de cada uno de los miembros de este núcleo familiar incluye un elemento que añade aún más crispación al conjunto. La hija mayor, de unos cinco o seis años, sufre un dolor de muelas que la mantiene quieta y acurrucada junto a su madre. La respuesta del padre será la promesa de encontrar un dentista a su llegada a esa ciudad donde se van a resolver todos los problemas, incluido el pertinaz dolor. Al sueño de una metrópoli llena de oportunidades laborales, se une así el de un lugar donde hay profesionales que pueden aliviar tus males, que pueden solucionar ese dolor de muelas que atormenta a la pequeña protagonista de Metro Manila. El espectador toma consciencia de una realidad, la de una niña con un dolor de muelas continuado, que afortunadamente desde nuestra realidad nos cuesta imaginar.
La gran ciudad que dibuja Ellis, se aleja de la utopía con la que sueñan sus protagonistas. La niña padecerá durante unos cuantos días y, a pesar de su corta edad, mostrará no solo paciencia sino resignación ante el dolor a la espera de esa solución prometida. Pero acabar con el dolor de muelas, como acabar con los problemas que irán surgiendo en ese infierno urbano en el que ahora viven, exigirá
otros padecimientos. Metro Manila no es un lugar fácil para vivir, y Ellis lo expresa aportando todo tipo de detalles, incluidas las secuencias de una niña entristecida primero por el dolor y aliviada cuando por fin se ve libre de él, gracias al sacrificio de su madre. Queda claro que en este lugar no hay espacio para la complacencia y no es fácil librarse del sufrimiento.

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“Blue Jasmine” de Woody Allen

Blue_Jasmine-cartelAÑO: 2013

DIRECTOR: Woody Allen

INTÉRPRETES: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Sally Hawkins, Bobby Cannavale, Peter Sarsgaard, Louis C.K., Michael Stuhlbarg, Andrew Dice Clay, Max Casella, Tammy Blanchard, Alden Ehrenreich

FOTOGRAFÍA: Javier Aguirresarobe

MÚSICA: Varios

NACIONALIDAD: EE.UU

DURACIÓN: 98 min

La habilidad para escribir guiones de Woody Allen ha sabido encontrar siempre una fuente de inspiración impagable en lo que le rodea. En sus películas ha retratado las calles de Brooklyn y de Manhattan y la vida de los neoyorquinos de clase media y alta, ha captado como pocos algunas de las peculiaridades de la comunidad judía y ha demostrado su interés por ciudades como Roma, París, Londres o Barcelona, a partir de sus incursiones en la vida europea durante los últimos años.
Así que no es extraño que, cuando Allen escuchó la historia de Ruth Madoff, la mujer de Bernard Madoff, sintiera que ahí había un guión. Su caso tenía todos los elementos de esas tragedias clásicas en las que Woody Allen ha basado algunos de sus mejores trabajos, comedias incluidas. La esposa de un hombre de negocios multimillonario que lo pierde todo (incluido a él, que actualmente cumple una condena de más de cien años), cuando se descubre que lo que su marido hacía no eran altas finanzas sino una estafa piramidal con miles de clientes como víctimas, le sirve a Allen para crear Blue Jasmine.
Y así aparece ese personaje de ficción, esa mujer acostumbrada a vivir en un inmenso apartamento del Upper Side y veranear en los Hamptons, que tiene que marcharse apresuradamente de Nueva York cuando su marido ingresa en prisión, y ella se ve obligada a refugiarse en la vivienda modesta de su hermana. Cate Blanchett da vida a Blue Jasmine de manera asombrosa y a su habilidad para la actuación se une la del Woody Allen guionista, capaz de inventar para ella, entre otras muchas cosas, un destino laboral en la consulta de un dentista de San Francisco que, rápidamente y sin ninguna delicadeza, se siente atraído por la dama.
A Blue Jasmine le adornan todos los tópicos que cabría esperar. No imagina un consumo que no venga firmado por un gran diseñador, ha olvidado si algunas vez en su pasado las cosas fueron diferentes y, por supuesto, todo lo que le importa se conjuga en primera persona. Con esos precedentes, y con los nervios destrozados a causa de la crisis económica y familiar, el primer trabajo que encuentra Blue Jasmine en San Francisco es como recepcionista en una consulta dental.
Parece éste un empleo en el que su aspecto, su educación y su gran habilidad para las relaciones públicas podrían serle de gran utilidad a una mujer como ella. Pero Woody Allen no está dispuesto a que las cosas resulten tan fáciles para su “heroína”. Y así el doctor Flicker será un hombre fastidioso, molesto y mucho más dispuesto a acosar a su nueva recepcionista que a percibir su elegancia o a comprender su angustia vital.
Ruina sobre ruina. De la destrucción personal y familiar, y por supuesto económica, a su choque frontal con la hostilidad en el mundo laboral personificada en un dentista con pocos escrúpulos. Allen no deja que Jasmine salga tan fácilmente del bucle en el que se ha metido y su aventura con el desatado doctor Flicker suma un peldaño más a su descenso.

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